The Long Walk: Sehr verstörend und eklig, aber nicht im positiven Sinne. Regisseur Francis Lawrence zeigt wenig bis gar kein Interesse an den sozialpsychologischen, politischen oder gar philosophischen Implikationen der Geschichte eines Todesmarsches, bei dem fünfzig Teenager stur geradeaus laufen müssen und erschossen werden, wenn sie stehen bleiben, bis nur noch einer übrig ist. Obwohl dieses einfache Motiv, das auf einem Buch von Stephen King basiert, viel Interpretationsspielraum bietet, bleibt Lawrence bei der Ausschlachtung der Gewalt: Immer wenn einer der Wanderer stirbt, wird dies in blutigen Details dargestellt: Gehirne spritzen, Menschen schreien und verbluten.

Das ist im Grunde genommen der ganze Film. Ein wenig dystopisches Geschwätz (aber so vage wie möglich, um nicht zu politisch zu werden), eine Reihe undefinierter Charaktere, die Plattitüden und Instagram-Caption Weisheiten über Ausdauer und Freundschaft rezitieren, und alle zehn Minuten wird jemand erschossen, verstaucht sich den Knöchel, wird verrückt oder muss während des Marsches auf der Straße seine Notdurft verrichten, und kackt auf den Asphalt. Es ist masturbatorische Gewaltverherrlichung, die sich durch ihr hochgestochenes Konzept einen Anschein von Raffinesse verleiht, während sie in Wirklichkeit nur die niedrigsten Instinkte befriedigt. Dahinter steckt keine ernsthafte Kritik am System, keine Reflexion über die zugrunde liegende, die Gesellschaft prägende Faszination für Gewalt. Es ist nur eine oberflächliche Torture-Porn-Karikatur der Mechanismen des Reality-Fernsehens.

Sind Schauspieler wie David Jonsson, Cooper Hoffman, Charlie Plummer und Mark Hamill hervorragend, und ist die Gewalt selbst extrem viszeral dargestellt? Natürlich! Und doch bleibt alles völlig sinnlos, nihilistischer Zynismus um des nihilistischen Zynismus willen. Diese Prämisse hätte ein intelligentes Drehbuch und eine sensible Umsetzung gebraucht, um den dem Kapitalismus innewohnenden Faschismus subversiv aufzudecken. Stattdessen wurde daraus kommerzialisierte Blutgier, Pop-Punk-Provokation und erschreckend hässlicher Blödsinn. 3/10

Caught Stealing: In Caught Stealing gibt es viel Punkmusik, nur sehr wenige der Figuren überleben bis zum Ende, Kameramann Matthew Libatique taucht die Lower East Side in satte Farben, und auf jeden gewalttätigen Ausbruch folgt ein düster-komischer Moment oder eine rotzige Geste. Darren Aronofsky, normalerweise ein Arthouse-Pessimist, lässt seinen inneren Guy Ritchie zum Vorschein kommen und stellt zum ersten Mal in seiner Filmografie Crime und Comedy auf eine Stufe, wobei er sich auf ein flottes Tempo und die mühelose Coolness seines Hauptdarstellers Austin Butler verlässt.

Die für diesen Regisseur ungewöhnlich pulpige Gangsterhandlung in der Großstadt bietet alle fünfzehn Minuten neue Wendungen und dramatische Tonwechsel, wobei sich das meiste davon in einem seltsamen Mittelbereich zwischen ernsthaftem Schmerz und albernen Eskapaden abspielt. Die chaotische, Angst-auslösende Energie, kombiniert mit tonalen Umschwüngen und unverblümter komischer Übertreibung, erinnert an Sean Bakers Oscar-prämiertes Meisterwerk Anora, aber Arnonofsky ist bei weitem nicht so geschickt darin, alle Elemente miteinander zu verbinden. Es gibt Momente, die seltsam regressiv wirken: Der Held wird durch zahlreiche buchstäbliche „Save-the-Cat“-Situationen definiert, und seine Beziehung zu seiner Geliebten basiert ausschließlich darauf, dass Butler und Zoë Kravitz beide unglaublich sexy sind. Abgesehen von Kravitz' Attraktivität zeigt Caught Stealing wenig Interesse an ihr.

Wenn man einige der absurden Entwicklungen einfach schlucken kann, dann ist es ein unterhaltsamer Film mit kinetischer Kraft, mehreren unerwarteten Plot-Twists und makabrer Komik. In den frühen 2000er Jahren wäre diese betont ausgefallene, kaleidoskopische Genre-Mischung ein Dauerbrenner in den Videotheken gewesen, und Butler hätte mit seiner charismatischen Macho-Attitüde, seiner Anziehungskraft als Frauenheld und seinem ernsthaften schauspielerischen Talent ein legitimer Nachfolger von Brad Pitt werden können. 6/10

Materialists - Was ist Liebe wert: Nicht viele romantische Komödien wagen es, die tiefgründige Wahrheit auszudrücken, die in Celine Songs Materialists verborgen ist: Beziehungsmodelle sind in erster Linie wirtschaftliche Konstrukte. In einer hyperkapitalistischen Gesellschaft verwandelt sogar das Dating potenzielle Partner in Waren und Währungen. Die altmodische Vorstellung von Romantik und Seelenverwandtschaft weicht zunehmend kalter Berechnung, die die Vorzüge anderer auf Daten und Statistiken reduziert. Aber Materialists ist nicht nur eine Betrachtung des Status quo, sondern auch eine Rebellion dagegen, die letztlich die wahre immaterielle Liebe als das höchste Gut verkündet.

Darin liegt das Problem: Argumentativ wird dieses Drehbuch seinen eigenen Ansprüchen überhaupt nicht gerecht. Warum Menschen sich tatsächlich lieben, warum sie bereit sind, über ihre oberflächlichen Kriterien hinauszuschauen, bleibt in diesem Film ein Rätsel. Als Dakota Johnson (die Verkörperung eines „Material Girl“, wie Madonna es besang) sich ihren Gefühlen hingibt und den reichen „perfekten Partner“ Pedro Pascal gegen den armen „Loser“ Chris Evans eintauscht, bleibt unklar, warum sie das tut. Nicht nur für uns, sondern auch für sie selbst. Die Figuren in diesem Film erklären sich immer ihre Liebe, ohne zu wissen, warum sie sich lieben. Sie tun es einfach.

Celine Song, die in Past Lives die Feinheiten von Partnerschaften so treffend dargestellt hat, ist so verzweifelt bemüht, alle Rom-Com-Klischees zu vermeiden, dass ihr Film am Ende gar nichts aussagt. Sie erkennt die wirtschaftlichen Realitäten der Romantik, bleibt dann aber im Bereich des Vagen, des Metaphysischen, kurz gesagt: des Kitsches. Infolgedessen bleibt das Schauspiel furchtbar flach, die Figuren werden unzugänglich und die Handlung wirkt emotional verwirrend und künstlich. Ein enttäuschender Fehlschlag von Song. 3/10

Weapons: Also ... worum ging es da eigentlich? Seit Barbie hat keine aufwendig gestaltete Studio-Produktion mehr thematisch so verwirrend gewirkt. Die aus verschiedenen Perspektiven erzählte Geschichte über eine verschwundene Schulklasse und die verzweifelte Suche nach den Kindern beginnt als Analyse der Paranoia in einer Kleinstadt, verliert aber allmählich ihre Mehrdeutigkeit und Spannung, je mehr Charaktere in den Fokus rücken. Je mehr Teile des Puzzles sich zusammenfügen und je klarer die Auflösung wird, desto mehr verwandelt sich Weapons in einen okkulten Geisterbahn-Horror, in eine Abfolge von aufdringlichen Schreckmomenten und schwerer Brutalität, ohne jede tiefere narrative Ebene.

Wenn man glaubt, dass jeder gute Horrorfilm allegorisch funktionieren muss, dann ist Drehbuchautor und Regisseur Zach Cregger offensichtlich gescheitert. Während die symbolische Mehrdeutigkeit der frühen Traumsequenzen und die einfühlsame Darstellung einer zerrütteten Gemeinschaft nach sinnloser Gewalt gegen Kinder Parallelen zu Amoklaufen an amerikanischen Schulen nahelegen, verliert sich dieser Ansatz schnell, sobald gruselige Clownsgesichter, Gedankenkontrolle und Hexerei in den Vordergrund treten.

Es bleibt unklar, was Cregger genau sagen will. Geht es um die rücksichtslose Ausbeutung einer jüngeren Generation durch eine ältere? Geht es um Kontrolle, Verschwörungstheorien, die Inkompetenz öffentlicher Institutionen, zirkuläre Gewalt? Ohne Antworten auf all diese Fragen wird Weapons schnell zu nichts weiter als einer einfachen Aneinanderreihung von Genre-Klischees, einem Film, in dem viel passiert, der aber letztendlich von nichts handelt und nichts erzählt. Das ist wirklich schade. Cregger hat ein gutes Auge für Horror, er hat das richtige Timing und findet gute Motive, schafft es aber nicht, diese zu einem zufriedenstellenden Ganzen zusammenzufügen. 4/10

The Long Walk (2025), Francis Lawrence

Basierend auf dem Roman von Stephen King erzählt The Long Walk die Geschichte von fünfzig Jungen, die an einem brutalen Wettbewerb teilnehmen: Wer stehenbleibt oder versagt, wird erschossen – bis nur ein einziger übrigbleibt. Der Preis: Ruhm und Reichtum. Der Weg dorthin: ein nicht enden wollender zensiert durch körperlichen und seelischen Abgrund.

Das Konzept ist bedrückend, spannend und voller Potenzial für gesellschaftskritische Metaphern – von der Glorifizierung von Gewalt bis hin zum Druck einer Gesellschaft, die alles zur Unterhaltung konsumiert. Doch so viel Stärke der Stoff mitbringt, so wenig schafft es der Film, daraus mehr als eine zynische Schau von Gewalt zu machen. Statt subtiler Kritik dominiert eine platte, trashige Darstellung, die wie ein dystopisches Reality-TV wirkt.

Der Cast ist dabei noch die größte Stärke. David Jonsson & Cooper Hoffman sind das Herz, Ben Wang & Tut Nyuot liefern glaubwürdige und emotionale Leistungen, die den Horror des Settings spürbar machen. Auch die Dynamik der Gruppe funktioniert – man spürt, wie Verzweiflung, Angst, Rivalität aber auch die Verbindung, Sympathie und Freundschaft die Jungen immer mehr zerreißen und beeinflussen. Leider bleiben manche Charaktere im Drehbuch oft unterentwickelt, verlieren Tiefe und sind am Ende nur noch Schachfiguren im Spektakel. Da wäre Abseits vom Kern deutlich mehr drin gewesen.

Die Regie von Francis Lawrence ist handwerklich solide, hat einige schöne Shots, doch Schockmomente wirken oft kalkuliert und wiederholen sich zu schnell. Statt subtiler Spannung setzt er auf plumpe Brutalität: viel zu viele Close-ups von Leid und Gewalt, die sich schnell abnutzen und keinerlei Mehrwert bieten. Es ist Gewalt um der Gewalt willen, ohne psychologische Tiefe, ohne den Mut, Stille oder echte Beklemmung wirken zu lassen. Am Ende wirkt das Ganze unnötig brutal, repetitiv und erstaunlich einfallslos.

Positiv hervorzuheben ist der Score, der in den richtigen Momenten Emotion und Dramatik verstärkt. Wenn er einsetzt, wird das Sterben dieser jungen Männer noch schwerer erträglich – hier blitzt auf, wie stark der Film hätte sein können, wenn er mehr auf Atmosphäre und weniger auf stumpfen Schock und billige Gewalt gesetzt hätte.

Unterm Strich verschenkt The Long Walk sein Potenzial. Statt eines vielschichtigen, bedrückenden Psychodramas gibt es eine Mischung aus Wiederholung, plakativer Härte und gelegentlich gutem Thrill. Der Film will schockieren, doch erreicht oft nur Abstumpfung oder Ekel.

Ein schwer umzusetzendes Konzept, ein starker Cast – doch der Film verliert sich in perverser, selbstzweckhafter Gewaltdarstellung und einer Handlung, die fast ausschließlich aus dem zensiert besteht, ohne diesen je wirklich zu erklären. The Long Walk stolpert früh und erreicht nie sein Ziel.

5,5/10

Ich hab mir gestern Frank Capras schwarzhumorigen Screwball-Klassiker Arsenic & Old Lace (1944) angeschaut und hatte eine riesige Gaudi. Das Ding legt ein enormes dramaturgisches und humoristisches Tempo an den Tag. Kaum Leerlauf, kaum ein Gramm zu viel und ich habe ordentlich gegrinst und gelacht. Wie schon in Wonderful Life gelingt es Capra, eine tolle heimelige Atmosphäre zu schaffen, wenn auch auf etwas andere Art. Cary Grant habe ich noch nie in dieser Form gesehen, er grimassiert, kaspert und verfällt halb dem Wahnsinn, das erinnert eher an Louis De Funès als an andere Rollen die ich von ihm kenne, aber Grant macht das wirklich gut. Ein weiteres Highlight ist mal wieder Peter Lorre in einer massgeschneiderten Peter-Lorre-Rolle. Höchstens in der letzten Viertelstunde läuft sich der Film vielleicht ein bisschen müde, aber womöglich lag das auch einfach nur an meiner eigenen Müdigkeit nach einem langen Wochenende in Marburg.

Wertung: 8,5 / 10

Sehr schön. Es war meine "erste große Theaterrolle". Müsste ich noch mal sehen

Welche Rolle? Mortimer?

Natürlich

Invincible1958 hat geschrieben: 15. August 2025 14:50 "The Sound of Music" läuft jetzt sogar zum 60. Jubiläum wieder im Kino. Hier in Hamburg am 23. September

An meinem ersten Tag, an dem ich mich wieder ziemlich gesund fühle, hab ich mir dann natürlich dieses Spektakel auch nicht entgehen lassen und als großer Musical-Liebhaber war es ganz fabelhaft, drei Stunden mit der Familie von Trapp zu verbringen, vor allem mit der sensationellen Julie Andrews in der Rolle ihres Lebens! An Andrews kann man sich kaum sattsehen: Was für eine Erscheinung, was für eine Wärme, was für eine Stimme! Hier in Deutschland mag sie als "Mary Poppins" noch bekannter sein, aber "The Sound of Music" ist ganz und gar ihre gewichtigste Glanzleistung. Und die Chemie zwischen ihr und Christopher Plummer ist einzigartig. Man spürt im Kinosaal, wie sich alle wünschen, dass die beiden zueinander finden und wenn sie sich endlich ihre Gefühle gestehen, schmelzen die Romantiker im Raum aus gutem Grund dahin.

Von den zwei großen Musicalfilmen von Robert Wise liegt mir "West Side Story" noch minimal mehr. Leonard Bernsteins Musik mit Stephen Sondheims Texten ist einfach noch bissiger, noch politischer, noch pfiffiger, als die deutlich klassischeren, irgendwo edleren Broadway-Standards von Rodgers und Hammerstein. Trotzdem ist auch "The Sound of Music" ein Evergreen für mich, ein Film, der das Herz erwärmt und nicht nur eine Ode an die Lebensfreude darstellt, sondern auch im Kleinen wie im Großen vom Widerstand gegen den Faschismus erzählt. In der Hinsicht ist er auch zum 60. Jubiläum (leider) noch immer topaktuell.

Pauline Kael hat diesen Film mal als "sugar-coated lie" bezeichnet, und Slavoj Žižek dann gleich noch als "pro-facist", ist ja auch klar, wenn schon denn schon. Über den Kitsch-Faktor von "The Sound of Music" wird sich gerne lustig gemacht, über seine Naivität und seine Überlänge. Für mich dominiert aber - genau wie in "West Side Story" - die Schönheit im offenherzigen Bekenntnis von Robert Wise zu den Musiktheaterwurzeln des Genres. Die ganze Idee von Musicals ist, die Emotionen der Figuren so lange ins Unermessliche zu steigern, bis sie sich nur noch in Gesang und Tanz ausdrücken lassen. Genau das will ich also sehen und genau das wurde mir geliefert, vor dem traumhaften Hintergrund der grünen Alpen-Gipfel und von exzellenten Supertalenten performt. Und wenn es dann sechzig Jahre später bei mehreren Szenen im vollgestopften Saal Applaus vom Publikum gibt, dann wurde alles richtig gemacht.

Übrigens ist die Geschichte - und das ist natürlich im original Musical schon so - sehr interessant aufgebaut, gewissermaßen in zwei nahezu exakt gleich lange Hälften geteilt, die sich durchgängig spiegeln. Nicht nur kehren nahezu sämtliche Lieder aus der ersten Hälfte in der zweiten Hälfte zurück (bis auf das für den Film hinzugeschriebene), sondern stehen dann auch immer in einem etwas anderen erzählerischen Kontext. Dort wo Akt 1 beginnt, endet Akt 2, und auch so scheinen sich viele Entwicklungen nach der Intermission gewissermaßen rückwärts abgespult wiederholen. Das ist strukturell erstaunlich zufriedenstellend und verträgt sich auch bemerkenswert gut damit, dass aus dem Heile-Welt-Gute-Laune-Familienmusical zum Schluss noch eine Flucht-vor-dem-Nationalsozialismus-Geschichte wird.

Ich habe in Marburg fette Beute gemacht und mir gestern und heute mal zwei der Filme angeschaut.

Jeux d'enfants (Yann Samuell, 2003) - Ein eigenwilliger Liebesfilm, der eher davon handelt dass eine Romanze nicht zustande kommt. Die beiden Hauptrollen sind seit ihrer Kindheit in eine Art endloses Risiko-Spiel miteinander verwickelt, das ihre Freundschaft genauso belebt wie kaputt macht. Daher verhalten sie sich bewusst irrational, die Inszenierung steckt voller teils sehr verrückter Ideen. Schräg, grell und bittersüss. Hat mir gefallen.
Wertung: 7 / 10

Hitman: Agent 47 (who cares, 2015) - Ich wollte schon immer mal der Typ sein, der sich über eine schlechte Videospiel-Verfilmung beklagt, und da ich den ganzen Sommer über World of Assassination gesuchtet habe, ist es endlich soweit. Mit dem tollen Spiel hat dieser 90-minütige Mix aus mies gespieltem Pseudo-Thrillerdrama und frenetischer Actionhatz nämlich vor allem qualitativ wenig zu tun. Rupert Friend sieht als 47 lächerlich aus, nicht einmal eine vernünftige Glatze hat er. Die meiste Zeit ist er damit beschäftigt, in Zeitlupe von A nach B zu gehen und dabei cool aussehen zu wollen, oder mit zwei Knarren gleichzeitig um sich zu ballern als wäre er eben einem Woo-Film entsprungen. Ein paar wenige passable Actionmomente retten vor dem Totalabsturz.
Wertung: 3 / 10

Zwei weitere Filme aus dem Marburg-Fundus:

Bird On A Wire (John Badham, 1990)
Gerade für Bondfans ist es natürlich eine besonders spannende Kuriosität, dass zwar der Jinx-Film zu DAD nie zustande kam, ein Spin-off über Stacey Sutton zwölf Jahre zuvor dagegen schon. Zwar spielt hier Goldie Hawn und nicht wie gewohnt Tanya Roberts die beliebte Rolle, aber sie kreischt und kreischt und kreischt und rollt mit den Kulleraugen und ruft zehntausend Mal den Namen des Protagonisten, wie man es von ihr gewohnt ist. Ansonsten ist der Film eine Art Fugitive mit Mel Gibson und erledigt seinen Job flott und schmissig, mit gar nicht mal so schlechten Actionszenen. Nette Unterhaltung, die nicht allzu ernst genommen werden muss.
Wertung: 6,5 / 10

Argo (Ben Affleck, 2012)
Argo ist prima, nicht nur weil es ihm gelingt, die Stimmung der Zeitperiode authentisch einzufangen. Für einen Stoff, der an sich zwar historisch sehr interessant aber nur bedingt spektakulär ist, erzählt Affleck die Geschichte seines Politthrillers erstaunlich dynamisch und abwechslungsreich, ohne den sachlichen Ansatz aus den Augen zu verlieren. Vor der Kamera kann sich Affleck ebenfalls sehen lassen, auch wenn fast alle Figuren um ihn herum noch besser sind, vor allem Alan Arkin und die sieben flüchtigen Botschaftsangestellten. Ich hab mich richtig mitgenommen gefühlt, und am Ende wird es sogar richtig spannend.
Wertung: 8 / 10

Im Kino: One Battle after another

Regie-Nerd Paul Thomas Anderson geht in die Offensive. Mit Superstar Leonardo DiCaprio und einem groß aufspielenden Sean Penn vor restaurierten Vista Vision Kameras, entfesselt er ein enorm unterhaltsames und überraschend humorvolles Konglomerat aus bissiger Gesellschaftssatire, spannendem Actionthriller und zu Herzen gehenden Familiendrama.

Wenn Paul Thomas Anderson einen neuen Film macht, dann sind zwei Dinge gewiss: die güldenen Oscar-Statuen der kommenden Award-Season dürfen sich schon mal auf eine Gravur mit seinem Namen freuen und die Kinobetreiber werden auf andere Filme hoffen, um satte Gewinne einzufahren. Anders ausgedrückt, Anderson wird von der (seriösen) Kritik geliebt und vom (Mainstream) Publikum weitestgehend ignoriert. Zumindest letzteres könnte sich diesmal ändern, denn der gefeierte Regisseur hat ein ungewohntes As im Ärmel. Man könnte auch sagen, er verfügt über eine exklusive Eintrittskarte in den bisher hermetisch abgeriegelten Box Office Tempel. Dieses Game-Changing Tool hört auf den klangvollen Namen „Leonardo DiCaprio“, also dem des aktuell größten Filmstars mindestens der westlichen Hemisphäre. Dass dieser den Ruf genießt auch sperrige und Anti-Dsney-Stoffe in Box-Office-Gold zu verwandeln ist gewissermaßen das Sahnehäubchen ...

https://www.ofdb.de/film/396242,974472, ... QoBooJObSQ

Vielleicht sollte man den Jungs von Insidekino mal anbieten, dieses Forum hier zu nutzen. Man kommt ja inzwischen fast gar nicht mehr dort ins Forum. Schade.

Kanu des Manitu beginnt geht jetzt ins Marathon Tempo über! Zum zweiten Mal steigen die Wochenendzahlen zur Vorwoche. ganz stark!

Meine Frau hat ja so ein Händchen für den deutschen Problemfilm und hat sich am Wochenende gegenüber meinem Wunsch ("One Battle") durchgesetzt, und so wurde es "In die Sonne schauen".

Mein lieber Scholli. Ich habe ja einiges an Sitzfleisch und langweile mich auch in Wagner-Opern nicht, aber der hat mir alles abverlangt. 150 Minuten ländliche Impressionen in Kackbraun, im 4:3-Format gedreht, mit viel White Noise und Schallplattenkratzen auf der Tonspur, die Abwesenheit jeder Handlung, die Verweigerung des Dialogs. Die Kritik überschlägt sich vor Begeisterung, Superlativ hier, Oscar-Nominierung dort, das Publikum vergibt desaströse 2,2 Punkte, und nie zuvor haben so viele Zuschauer die Vorstellung vorzeitig verlassen, völlig überfordert von dem, was da (nicht) passiert. Die Geschichte eines Vierseithofs in der Altmark, vier verschiedene Zeiten, vier verschiedene Frauen / Mädchen, die im Zentrum der Nicht-Erzählung stehen, das klingt auf dem Papier vielleicht noch nach Potential, während sich dann auf der Leinwand die vielen, vielen Minuten ohne jedes gesprochene Wort, in endlos langen Einstellungen, nur von Fliegengesumme begleitet, zäh dahinziehen wie Treibsand. Tod und trostloses Trübsal, Missbrauch und Verstümmelung bestimmen dieses fürchterliche, im Dogma-Stil gehaltene Werk - so viel Spaß hatte ich zuletzt, als mein Hund gestorben ist.

Ha ha, das ist gut, ich habe den leider noch nicht gesehen, aber ich habe da doch große Erwartungen, von dem her was ich bislang so gelesen habe. Der Trailer sieht zumindest toll aus (ja, ich weiß Trailer lügen ...), das hat eventuell Tree of Life Potential.

"Tree of Life" ist ein nervenzerfetzender Thriller dagegen.

Den Vergleich zu Tree of Life hab ich Maibaum ins Ohr gesetzt. Aber als jemand, der Malicks Coming-of-Age-Meisterwerk für überragend hält, war ich später selber nicht mehr so überzeugt von der Sonne, was meine Lust angeht. Als dann noch Lynchs Elefantenmann im Programmkino lief, habe ich die Sonne ohne zu zögern geopfert und bis heute nicht gesehen...